金鸡·观察｜编导演十思：新场景、新观众、新表达

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金鸡·观察｜编导演十思：新场景、新观众、新表达

电影是雕刻时光的艺术。在120年的时光里，电影以不同的样貌，深入我们的生活。在每秒24格的真实中，电影拓展了“真实”的边界，重塑了我们的“世界”。这便是电影跨越百年依然鲜活的力量。重要的不是故事被讲述的时代，而是讲述故事的时代。而我们的编剧、导演、演员正是这个时代的讲述者。

11月15日上午，2025年中国金鸡百花电影节金鸡电影论坛·编导演论坛在厦门天元酒店紫金厅举办，本场论坛以“New Wave：新场景、新观众、新表达”为主题，汇聚编剧、导演、演员三大核心创作力量，围绕“编导演十思”展开了一场求真务实、思想碰撞的深度对话，共同探寻中国电影在新时代下的创作路径与发展动能。

张冀在致辞中表示：金鸡编导演论坛作为凝聚电影创作核心力量的重要平台，在“十五五”规划开局之年肩负着特殊使命。他指出，在中国电影120年的发展历程中，编剧、导演和演员作为“创作铁三角”共同构筑了中国电影的辉煌大厦。面对新时代变革，中国电影要坚持文化自信，以人民为中心的创作导向，既要扎根现实、传承创新，又要把握技术变革和全球视野，加强全链条人才梯队建设，为电影强国建设注入新动能。

中国电影表演艺术学会会长陈宝国

陈宝国在致辞中表示：在中国电影诞生双甲子之际，电影演员们深耕生活沃土，以真挚情感和鲜活表达塑造角色、反映人民心声，既推动着中国电影事业高质量发展，也为文化强国建设贡献着重要力量。

中国电影导演协会执委会成员大鹏

大鹏在致辞中表示：电影是映在银幕上的时代诗篇，编剧、演员和导演作为创作共同体共同推动着中国电影的发展。面对新技术浪潮和观众代际更迭，创作者需要扎根生活土壤，理解时代变化，在关注观众反馈的同时保持创作初心，让个体表达在时代合唱中找到回响。

金鸡编导演论坛自2024年首次推出以来，以创新的形式和真实的表达迅速出圈，引起业内外共鸣。今年，论坛遵循习近平总书记给田华等8位电影艺术家重要回信的精神指引，延续“编导演十思”的研讨模式，直面当前电影行业所面临的问题和挑战，构建了一个更加深刻和自由的思考场域。嘉宾讨论聚焦“创作更多讴歌时代精神、抒发人民心声的精品佳作”这一核心目标，围绕如何回应新场景、新观众的需求，探索新时代背景下电影创作的创新表达，并促使创作者思考如何在新的时代背景下，以电影为载体，创作出更多打动人心、传递力量并切合时代的艺术作品。

论坛主体环节“电影人十思”列出当前创作者所面临的、行业内普遍关注、极有热度和讨论度的十个问题，在场嘉宾展开平等、真诚、深入的交流。

现实主义创作还有哪些“新场景”？

张冀：“再新的场景，核心依然是人。新场景下的创作，不应只着眼于技术变革的外壳，更要回归到‘人’的层面——那些因自动化而‘消失’的工人去了哪里？他们是否也面临转型的惶恐与选择？这些正是中国现实主义传统所关注、也应当被电影继续关照的命题。在不可预知的未来中，人的基本情感与需求不会改变，而这正是电影创作不变的起点与归宿。”

阿美：“由数字化实践构筑的情感强度和社群认同，是传统编剧想象不到的‘新现实’。这提示创作者，必须将目光投向云端生活，那里正孕育着全新的故事和情感模式。当下每个人都活在自己的信息茧房里。因此，发现新场景的关键，在于创作者是否具备主动‘打破自己茧房’的意愿和能力，去真诚地观照其他群体的真实状态。”

游晓颖：“伴随老龄化社会和医疗数字化进程，医院场景中正在出现一种新型社会伦理关系——职业陪诊师，这一新兴职业具有三重创作价值：折射出数字化时代老年人面临的就医困境；展现了非亲缘关系中人性的温暖互动；为医疗题材创作提供了全新视角。目前陪诊师从业群体正经历着职业化演进过程。这种职业转型过程中的道德挣扎与人性张力，正是现实主义创作的宝贵素材。建议创作者关注这一正在发生的社会现象，用敏锐的观察捕捉时代脉搏。”

真的知道自己想拍什么吗？

董润年：“叙事能力是导演最核心的素养，我在编剧岗位上长期磨砺，直至准备好才迈出导演第一步。针对当下创作环境，技术发展已大幅降低拍摄门槛，青年创作者要勇于实践：‘想拍就要想尽一切办法去拍’。创作成长需要在实践中完成，通过不断拍摄、接受批评、经历碰撞，才能真正认清自己的短板，找到真正想表达的内容。真诚的创作往往产生于打破客套的激烈讨论中，青年创作者应该敢于表达、勇于试错，在创作实践中不断逼近艺术真谛。”

於水：“创作应坚守人类共通的情感内核，并为其寻找符合当代语境的‘新包装’。尽管表现形式（如神话、动画）可以多变甚至间离，但打动人心的始终是那些跨越时空的人类共同情感，如内耗、焦虑与自我追寻。青年一代审美习惯变迁，长内容正面临巨大挑战，电影院所提供的‘2小时沉浸式体验’正成为一种稀缺的、具有强制性的完整艺术欣赏场景。电影的未来在于深度挖掘并放大这一独特优势，在与短视频等碎片化内容的竞争中，找到自身不可替代的价值。”

陈茂贤：“在编剧与导演合作时，双方对同一命题的不同理解是常态，而这种差异恰恰丰富了创作的可能性。最初的创作意图在具体拍摄过程中会产生自然的‘转化’而非‘偏差’。以《破·地狱》为例：虽然‘探寻生命意义’的核心命题始终未变，但在拍摄过程中，基于对观众接受度的考量，从最初较为沉重的‘通过失去来理解珍惜’的表达方式，逐步调整为更易引发共鸣的呈现方式。创作是一个动态探索的过程，创作者需要保持开放心态，在坚持核心命题的同时，允许表达方式在实践过程中自然演进，这种基于真实感受的调整恰恰是创作成长的必经之路。”

李少红：“手机正在成为一种极具潜力的个人化电影创作工具。由于其便携性和高度集成性（如高质量的录音和拍摄功能），手机极大地降低了技术门槛，这种创作方式的变革，催生了一种高度主观和个人化的视角。由手机媒介催生出的个人化、主观性的表达形式，其美学风格可以被吸收和借鉴，从而反哺并丰富专业的电影创作。”

如何保持创作活力并突破惯性

齐溪：“随着科技进步和社会变革，新时代涌现出越来越多具有时代特色的‘新面孔’。作为演员，既要沉入生活汲取养分，更要与时俱进更新创作理念，避免被固化的表演模式所束缚。创作中的‘冒险’精神正是表演工作的魅力所在——通过挑战不同类型的角色，既能学习新的创作理念，也能探索自身的表演可能性。电影是时代精神的表达，而演员塑造的角色正是这个时代的鲜活面孔，保持创新和突破是演员不被时代抛下的重要途径。”

王丽坤：“数字演员、动作捕捉和数字替身等技术正在挑战演员的职业不可替代性，引发了关于‘存在意义’的行业思考。然而机遇与挑战并存，技术虽然能生成完美表演，却无法复制人类演员独有的生命温度，包括演员之间的即兴创作力、不可复制的现场化学反应、独特的生命体验以及真实的情感印记。演员需要实现双重突破：纵向深耕表演艺术，注入角色灵魂；横向拓展技能边界，学习新技术，了解编导等周边工作，成为复合型创作人才。”

陈宇：“当下电影中充斥着‘完美的矛盾’，而真实生活的中学生升学压力、年轻人财富焦虑、婚姻困境等不完美常态却在银幕上缺席。相比之下，微短剧、短视频等新兴媒介反而更敏锐地捕捉到了这些现实痛点。在多媒体竞争加剧的时代，从真实生活中汲取素材，呈现普通人对生活的认知、愿望、理解，关注不完美的人与生活，既是艺术选择，又是创作者打破惯性的关键，更是关乎电影发展的必然出路。”

怎样看待 人工智能生成电影的趋势？

李少红：“AI创作基于已有的图库和经验，目前还无法理解并匹配导演高度个性化、差异化的创作理念。技术上，AI尚无法处理长镜头、运动镜头，画面分辨率也暂未达到影院大银幕标准。当AI真正具备‘思考与创造性’时，将是创作者的一次巨大升级。创作者当下的核心任务是学习如何与AI进行精准沟通，引导它理解并实现自己独特的创作意图。相关技术瓶颈可能在五六年内被攻克，我期待AI能像过去的数字特效一样，将天马行空的想象变为可视的现实，极大拓展电影的艺术边界。”

张珂：“AI带来的变革远超从胶片到数字的‘工艺流程’改进，而是对创作方法论的根本性颠覆。这一变革可能极其迅速（可能只需三四年），并会诞生出我们今天无法命名和理解的全新作品形态和文化形式。AI最大的价值在于极大地降低了制片成本，将青年创作者从‘有想法却拍不起’的困境中解放出来，让他们过去只能停留在文本上的奇思妙想（如‘大象闯进瓷器店’）得以视觉化实现。”

甘剑宇：“我对AI从最初的兴奋好奇，到中期因效率颠覆而产生的职业恐惧，最终在了解与应用后消除恐惧，转为平常心。技术是不断进化的媒介和手段，而电影创作的核心——即‘人’的表达，以及人与人之间基于共鸣的沟通与反馈——是不可替代的主体。我们积极拥抱技术变革，但同时保持充分的自信。作为创作主体的人，很难被取代。”

如何在当下创作中重新激活传统文化？

达杰丁增：“传统文化在它产生的时代，本身就是一种‘创新’。因此，我们无需在作品中刻意解释或区隔传统文化，因为它早已内化并构成了我们今天的思维与行为模式。传统文化不只是一个单一的物件。比如说我现在说话也是所有文化组成了我现在的思维模式，所以不用特意去解释传统文化，我们的思维模式里面就已经是传统文化的组成部分。”

刘娟：“《怒江》的叙事母题，源于两个关键的社会观察：一是从‘剽牛师不敢看牛的眼睛’这一文化细节中，提炼出对生命敬畏的普遍人性议题，塑造了具有当代性的父亲形象；二是在传统仪式中发现性别叙事的空白，从而确立了为女性赋权、争取文化‘在场感’的创作动机。影片中那条连接过往与现在的道路，正是田壮壮导演《茶马古道》中记载的传奇之路。这不仅是地理的重合，更是电影人跨越时空的接力。”